安格尔:唯“美”不可辜负

2018-03-01 10:01 来源:天津日报 
2018-03-01 10:01:53来源:天津日报作者:责任编辑:刘卓

  作者:胡春萌

  对于普通观众来讲,安格尔这位新古典主义大师的名字是陌生又熟悉的。《泉》《大宫女》等画作,可以说是最早在中国公众生活中流传的一批西方画作,那些复制品装点了人们的生活,更丰富了人们对美的想象。然而,时间与空间的阻碍,却使得中国观众很少有机会一睹名作的真容,并近距离了解安格尔这位大师的所思所想。

  正在天津美术馆展出的“安格尔的巨匠之路──来自大师故乡蒙托邦博物馆的收藏”展,让70件有关安格尔的藏品与中国观众见面。天津美术学院教授郑岱和安格尔博物馆遗产管理负责人兼馆长佛罗朗斯·维吉耶·杜泰伊,将带领我们解读展品,了解安格尔是如何打造他的“美丽世界”的。

  少年成名,得益于父亲和老师的栽培

  在这次展览中,一幅《尼俄柏头像》素描作品,令很多观众惊讶。人们很难想象,这样一幅造型、明暗、线条都很成熟的画作,竟然是出自于9岁的安格尔之手。

  安格尔的父亲从事绘画、雕塑和装饰艺术,共有七个孩子,安格尔是家中的长子。安格尔很小的时候,父亲就从他身上看到了艺术天赋,希望儿子能继续自己的艺术道路。

  但是,想要成为出色的艺术家,仅有天赋是远远不够的。父亲把所有时间和精力都投入到对安格尔的培养中。安格尔不到6岁,就进入教会学校学习,11岁时,父亲就带着他离开家乡蒙托邦,去往图卢兹,进入美术学院学习绘画。因为从小坚持练习,安格尔有极强的素描基础。

  家教甚严的安格尔,从小还进行音乐方面的学习,也有着不错的成绩。1793—1796年,安格尔在图卢兹剧院乐队充当第二小提琴手。他最喜欢莫扎特的音乐,他和帕格尼尼、李斯特都是朋友。如今在法国,“安格尔的小提琴”已成著名谚语,可指“钟爱一生,却不以此为生”。此次的展品中,便有一把他曾使用过的小提琴。

  在图卢兹学习时,安格尔的老师认为他在艺术上前途光明,鼓励他前往巴黎深造。安格尔1797年来到巴黎,凭借他的才华,进入新古典主义大师达维特的画室。以复兴古希腊古罗马艺术为旗帜的古典主义艺术早已出现,但是到了18世纪中叶,庞贝城的发掘,德国学者温克尔曼“高贵的单纯,静穆的伟大”美学思想的传播,引起了人们对古典主义的热情,古典主义又重新复兴起来,故称新古典主义。新古典主义绘画崇尚严肃的主题,以朴素的风格创造理想的美。安格尔从达维特身上,学到了如何从考古角度研究古代的艺术品,从而从艺术源头汲取营养。此后,1799年,他又考入巴黎美术学院学习。

  在这几年的巴黎求学时光里,他认真地接受了系统的美学理论教育和绘画技法训练,水平提高很快。1801年,年纪轻轻的安格尔就凭借《阿伽门农的使者》获罗马大奖头名,一时名声大噪。

  优秀门徒,也会“离经叛道”

  今天,我们提到新古典主义画派,就一定会提到达维特和他的学生安格尔。可是,这位达维特的优秀门徒,却在很早的时候就表现出他的“离经叛道”。也正是这种“叛逆”,让一帆风顺的安格尔经历了第一次事业上的坎坷。

  被珍藏在卢浮宫的《大宫女》,是安格尔的代表作之一。十九世纪初,法国的上层贵族阶级对东方土耳其的宫廷生活产生了浓厚的兴趣。1803年,受拿破仑的妹妹、那不勒斯的王后卡罗琳·波拿巴委托,安格尔创作了《大宫女》。但是,作品最后并未送至这位王后的手里,因为拿破仑倒台了。此后过了很多年,该画才被送到巴黎的沙龙展出。不料画作展出后却深受批判和质疑。人们说,作为达维特的学生,安格尔走得太远了。

  一位批评家曾讥讽安格尔笔下的这个宫女“没有骨头、没有肌肉、没有血液、没有生命、没有立体感,总之任何构成模仿的因素都没有”。另一位批评家提请人们注意“他的宫女多了三块脊骨”,对此安格尔答道:“先生们,假如我必须熟记解剖学的话,我就不会成为画家了。”安格尔的学生、曾为其老师作传记的阿莫里·杜瓦尔说得更中肯:“他可能是对的,可是这又怎么样呢?也许正因为这段修长的腰部才使她如此柔和,能一下子慑服住观众。假如她的身体比例绝对地准确,那就很可能不这样诱人了。”

  安格尔和达维特有明显的不同,艺术界一般认为,达维特偏爱古罗马的艺术,安格尔则更喜欢古希腊的艺术,这可能造成了他们二者在艺术理念上的区别。可以说,新古典主义从达维特到安格尔是一个转折,安格尔缺少达维特作品中的庄严,从描绘与时代相关的事件转向了远离现实的神话和纯艺术。虽然除了法国和意大利,安格尔从未去过第三个国家,但是他却凭着阅读和想象,经常创作出有东方情调的作品,比如《土耳其浴室》《大宫女》都是此类题材的作品。

  从《大宫女》中我们可以看到,一方面,他秉承着“世界上不存在第二种艺术,只有一种算艺术,其基础是:永恒的美和自然”的理念,贪婪地在自然中寻找着美,另一方面,他却经常用弱化形体棱角、扭转或拉长形体等手法表现理想中的美,用他自己的话来说:至于谈到真实性,我则偏爱稍微夸张一点,尽管这是有点冒险的。不过我知道,真实性有时候并不很真实,两者之间的界限往往是间不容发的。

  虽然后来很长一段时间,因为与浪漫主义的论战,安格尔被评论界认为是保守的学院派,但是他的的确确亲口说过“我想做一个改革者”。

  针锋相对,与浪漫主义碰撞

  安格尔的画,总是给人柔和的感受,但是在现实境遇中,他却总是深陷在争论中不能自拔。安格尔与德拉克洛瓦,分别作为新古典主义和浪漫主义的代表人物,他们之间的论战,总是被艺术界津津乐道。

  不得不说,从今天的视角来看,随着社会的发展,到了十九世纪,古典艺术的画法和意识形态有了一定的局限性,浪漫主义所崇尚的撇开理性教条,崇尚热情、想象和个人表达,成为当时艺术发展的一种必然。但是在当时,安格尔作为一名从小在法国南方城市长大、受到良好古典文化教育的优秀画家,他仅仅是在坚持自己心中的艺术“真理”。

  在形式上,安格尔代表的新古典主义推崇的是单纯的美,画作造型典雅、以素描为准、注重轮廓的完整,而轻色彩。德拉克洛瓦代表的浪漫主义,则重视色彩,讲究在线条的团块里孕育出艺术。安格尔曾说:“素描,是高度的艺术诚实。”他对素猫的认识不仅是艺术形式,更在于其意义和价值。德拉克洛瓦在日记中写道:“好的素描只有与深沉的色彩结合,才会实现更强大的造型能量。”浪漫主义绘画强调的笔触,德拉克洛瓦认为它可以“帮助你塑造物体、表达情感”。而这对安格尔来说,是自然界里不存在的,是“虚假的天才的自我呈现”。

  安格尔提倡古典主义,1825年,他被选为皇家美术院院士,1835—1841年,他担任罗马法兰西学院院长,在教学中也一直传达着自己的艺术思想。他重视培养学生的观察能力,强调绘画基础的训练,制定了一系列为学院派奉为圭臬的古典主义原则。慢慢地,人们把抨击的苗头指向了安格尔,认为他是保守的学院派的代表。

  在今天来看,安格尔与德拉克洛瓦的争论实质上是不同美学思想之间的碰撞。安格尔在当时是以“高贵的单纯与静穆的伟大”为美学追求的。德拉克洛瓦背后则是感性美学思想。

  终其一生,追求“清高绝俗和庄严肃穆之美”

  安格尔是一位杰出的肖像画家,可以说他在肖像画中取得了最大和最应该受到承认的地位。著名的作品有《圣玛丽夫人肖像》《里维耶夫人肖像》等。

  早年,安格尔在意大利学习工作了很多年,在那些贫困的岁月里,他为了生计,画了大量肖像画。他的肖像画太美了,慕名来请他作画的人络绎不绝。“生意”那么好,来找他画肖像的人几乎都是达官显贵,安格尔一定也赚得盆满钵满了吧?非也。安格尔作画非常认真,创作周期很长,有时还会几易其稿。此次展览,展出了安格尔为这些肖像画所做的大量草图。也正是这样的不计成本,令他近40岁还没跳出“穷”这个圈子。

  然而,他却并不喜欢画肖像,因为那占用了他大量的时间,影响他自由创作的进度。安格尔从未掩饰过自己对肖像画题材的蔑视。他曾在给好友吉拜尔的一封信里写道:“这可憎的肖像画啊!它们总是让我无法全神贯注地去完成重要的事情。”1825年以后,安格尔的经济状况有所改善。他曾宣称终止肖像画创作,专心从事大型的历史绘画创作。不过,几年之后,他又开始重新创作肖像,特别是为一些名媛作画,目的并非是缓解经济压力,而是出自画家的个人喜好。经安格尔之手,那些美丽、青春、典雅的容貌,在艺术中永存,与今天的观众相见。

  安格尔最成功的一幅人体画作品,用了画家半生的时间,那就是被誉为有着“清高绝俗和庄严肃穆之美”的《泉》。从十九世纪20年代就开始构思的这幅画,一直到1856年,也就是在画家76岁的时候才最后完成。这幅画所表现的是一个手托水罐、以正面姿势站立的少女裸体形象。画家把少女的恬静、健康、美丽、清纯、活力和生命力融会一体,尽情地诉诸笔端,创造出一个可与拉斐尔笔下集美于一身的“圣母”相媲美的少女形象。他在这幅画上展示了可以得到人类普遍赞美的恬静之美、抒情之美和纯洁之美。有一位评论家参观了《泉》后说:“这位少女是画家衰年艺术的产儿,她的美姿已超出了所有女性,她集中了她们各自的美于一身,形象更富生气,也更理想化。”

  说到拉斐尔,从某种意义上讲,他是安格尔“从未谋面的老师”。安格尔迷恋古希腊古罗马,迷恋文艺复兴,更迷恋拉斐尔。在晚年,安格尔总结自己的艺术创作,他觉得之所以能够创造出一种个人独有的创作办法,得益于对古代艺术的热爱、对自然之美的不断品味、对意大利早期画派的研究,但最重要的是学习了拉斐尔的作品。此次展品就包含多幅安格尔临摹的拉斐尔画作。

  安格尔在拉斐尔的绘画中,学到了将自然的美理想化的一种方法,实际上这种方法在古希腊绘画中就有所体现。相传,宙克西斯为公元前五世纪的一位希腊画家。宙克西斯宣称要画一幅《美女海伦》。他不相信能够在一个人身上找到他寻求的美,因为大自然不可能使一个单独的对象在所有方面都完美无瑕。所以,他选择了五名少女,宙克西斯选取了各个少女身上最美好的特征作为作品的模特儿。

  而安格尔也曾经说过:最精美的雕像从任何局部看,都永远超越不了客观自然,而我们所构想的也不能高于我们从自然造物身上所见到的美。我们唯一可以做的,是把这些美收集起来。(胡春萌

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